In scena Luciano Bosi e i suoi oggetti musicali, che diventano anche presenza scenografica, grazie alle luci di Carlo Cerri, probabilmente il più illustre light designer della danza italiana. Al centro, la danza di Simona Bertozzi e il disegno del suono di Roberto Passuti. Inoltre Giulia Bonaldi, costumista e scenografa, sarà responsabile della concezione dello spazio e degli abiti di scena. Roberto De Lellis, è il delegato di produzione.
La durata dello spettacolo sarà di circa 50 minuti.
Lo spettacolo, nato inizialmente da una reciproca stima e curiosità, sta evolvendo mese dopo mese. All'inizio si è trattato di un paziente lavoro di ricerca sul suono, sui ritmi e sul movimento corporeo. Lo spazio scenico ha vissuto dunque della presenza di alcuni strumenti musicali e di due corpi: quello del musicista e della danzatrice. Gli strumenti, sono stati selezionati sia per il loro rimando culturale, sia per l'essere rappresentativi di una forma pura, originaria del suono che producono. Con essi chi danza scambia azioni e informazioni gestuali muovendosi su un binario parallelo. Il suono coesiste alla danza: non deve né accompagnarla né descriverla, se non in brevi frammenti. La danza segue una narrazione che del suono tenta di conservare il pulviscolo più atavico. I due corpi riempiono lo spazio di affezioni profonde e segni d'interazione, in cui sono evidenti azioni semplici e reiterate e modalità dinamiche complesse e astratte.  
Nel successivo sviluppo, maturato attraverso una prima fase di lavoro a Bologna, la ricerca di questi elementi originari e naturali si è associata alla lettura del celebre "Al di là del principio del piacere" di Sigmund Freud. Il testo di Freud ha guidato la drammaturgia dello spettacolo: in particolare sono state fondamentali le sue pagine sulle pulsioni, che "tendono a ripristinare uno stato anteriore". Secondo quanto afferma Freud, " l'essere vivente elementare non avrebbe, sin dai suoi esordi, nessuna voglia di modificarsi...ogni modificazione è dunque imposta sull'andamento della vita dell'organismo da fattori esterni ...Se la meta della vita fosse uno stato mai raggiunto prima, essa sarebbe in contrasto con il carattere conservatore delle pulsioni; viceversa questa meta deve essere uno stato antico, uno stato di partenza da cui l'essere vivente si è a un certo momento allontanato e verso il quale lotta per ritornare, attraverso i sentieri contorti della sua evoluzione...". Dunque, secondo Freud, "LA META DI OGNI VITA E' LA MORTE". Questa verità "scientifica" del padre della psicanalisi, è la sostanza dello spettacolo: le pulsioni "percussive" sono le più antiche e primigenie che l'uomo conosca, la danza, il ritmo, il movimento sono qui intesi nel loro senso più originario ed elementare. L'evoluzione del suono e del movimento in realtà sono i "sentieri contorti" che ci allontanano dalla meta finale. Il recupero di questo senso dell'origine e il ritorno allo stato di quiete sono alla base della ricerca che anima lo spettacolo.

Il Teatro Valdoca continua l’avventura d’arte e conoscenza che si addensa sulla figura di Caino, con una sessione di prove dedicata soprattutto al coro.
Da questa residenza verrà selezionato il coro di angeli scuri, bruciati e molto dinamici che avrà in mano gran parte della partitura sonora e ritmica dell’opera.
In questo primo di maggio ci sarà un giorno di prove dell’ultima fase della selezione aperto a tutti coloro che vogliono seguire questo nuovo capitolo epico della Valdoca, nella sua veste informale e ancora in fieri.

" Il male non si può vincere. E' una parte cospicua del nostro mondo, attraversa i nostri sguardi, brutalizza la nostra mente e a volte occupa le nostre anime. Ma io dico anche: caro Abele, guai a chi mi tocca Caino. E non si tratta dell'elogio dell'assassinio, della prevaricazione del più forte sul più debole. E' che il male ci mette alla prova e insieme ci dà l'occasione di guarire"
(Alda Merini)

Il testo è un tappeto che deve volare lontano: con questa frase inizia lo spettacolo - dimostrazione di lavoro, in cui trent’anni di testi appartenenti agli spettacoli dell’Odin Teatret, a cui Julia Varley ha partecipato come attrice, sono percorsi in un’ora.  Poche spiegazioni essenziali accompagnano il lavoro vocale che esemplifica il passaggio delle parole dallo scritto allo spazio, dalla freddezza della carta alla libertà dell’interpretazione.

Julia Varley nata nel 1954 a Londra è entrata a far parte dell’Odin Teatret nel 1976.
Oltre alla sua attività come attrice è impegnata anche in qualità di regista, nell’insegnamento, nell’organizzazione e come scrittrice.
All’età di 3 anni si è trasferita a Milano dove ha seguito i suoi studi, che comprendono gli anni alla Facoltà di Filosofia all’Università di Milano.
Prima di unirsi all’Odin Teatret ha lavorato a Milano con Il Teatro del Drago,  il Centro Sociale Santa Marta e il Circolo La Comune, mantenendosi con il lavoro da assistente alla produzione per alcuni film. Con l’Odin Teatret, Julia Varley insegna nelle scuole e nelle Università ed ha sintetizzato la sua esperienza in quattro dimostrazioni di  lavoro: The Echo of Silence , The Dead Brother , Text , Action , Relations e The Flying Carpet . Dal 1990 è impegnata nella ideazione e organizzazione dell’ISTA ( International School of Theatre Anthropology ) e della University of Eurasian Theatre , entrambe dirette da Eugenio Barba. Julia ha collaborato con The Magdalena Project sin dal 1986 anno di partenza del progetto, che ha creato una rete di donne che lavorano nel teatro contemporaneo. In riferimento a questo specifico percorso, Julia prende parte a “ Women with Big Eyes ” un progetto collaborativo che è stato presentato in Danimarca e a Cuba.
Julia è direttore artistico del Transit International Festival ad Hostelbro ed editrice di The Open Page , un giornale dedicato al lavoro delle donne nel teatro.
In relazione alle produzioni interculturali dell’Odin Teatret e Hostelbro Festuge, Julia ha iniziato una collaborazione pedagogica continuativa con gruppi di giovani attori (“Ageless”, “Jasonites”, “Ur-Hamlet Foreigners”) sia in Danimarca sede dell’Odin che in altre Nazioni, continuando a dirigere i suoi studenti di lungo corso.
Ha firmato la regia per due produzioni in Germania con il Pumpenhaus Theatre ( Auf den Spuren des Yeti e Blau ), due produzioni con Ana Woolf dall’Argentina ( Seeds of Memory e White is the Night ), uno spettacolo per ragazzi con Hisako Miura dal Giappone ( Fox Wedding )  e due spettacoli con Lorenzo Gleijeses e Manolo Muoio ( Il figlio di Gertrude e L’esausto o il profondo azzurro ) e un altro con Gabriella Sacco ( The taste of Oranges ).
Ha Lavorato come assistente alla regia per i film Anabasis e On the Two Banks of the River , e alla produzione del film Come! And the Day Will Be Ours.
Julia varley ha scritto due libri: Wind in the west -  a novel by a theatre charatcter (Odin Teatret Forlag, Danimarca) e Pietre d'acqua - Taccuino di un'attrice dell'Odin Teatret (Ubulibri, Milano; Escenologia, Mexico; Alarcos, Cuba; San Marcos-Yuyachkani, Perù; Entretemps, Francia; Routledge, Gran Bretagna).
I suoi articoli e i suoi saggi sono stati pubblicati da diverse testate come: The Mime Journal , New Theatre Quarterly ,   Teatro e Storia , Lapis , The Open Page , Performance Research , Teatro XXI e Máscara .