Un progetto di Serra Teatro che ritorna all’Arboreto dopo la precedente esperienza di Storia del gallo Sebastiano, spettacolo in forma di teatro-lettura in cui è maturato il felice sodalizio tra la compagnia e Marcello Chiarenza. Il testo di Robert Louis Stevenson, attraverso la sua straordinaria potenza drammaturgica, invita a esplorare nuove vie per ritrovare la complessità del personaggio Sebastiano nel doppio Jekyll/Hyde. Il lavoro, costruito mutuando anche elementi dal cinema e dalla musica, si sviluppa attraverso un noire in cui si disseminano indizi che solo la conclusione drammatica della vicenda riuscirà a inquadrare.

Serra Teatro è una compagnia che nasce a Rimini dal 1983 da un’esperienza di teatro e didattica, trasformandosi, negli anni, in un gruppo di ricerca rivolta alla formazione d’attore e al teatro di impegno civile. Capofila del progetto sono Nicoletta Fabbri e Pier Paolo Paolizzi.
Dal 2000 al 2006 la compagnia, assieme al Teatro della Centena, fonda e gestisce “Pianoterra”, luogo di incontro, studio, ricerca e produzione teatrale.
Fra le produzioni: Il minotauro (2001), La storia del gallo Sebastiano (2004); fra i progetti di teatro civile promossi e condivisi: “Silenzio di piombo”, “Autobiografie di ignoti”, “Mirando Babele: ragionamenti sul disagio psichico”, “Memoria nel profondo”, “La città del sonno”.

Marcello Chiarenza è scenografo, scultore, autore e regista teatrale, da oltre dieci anni opera nel campo della figurazione simbolica e della drammaturgia della festa realizzando molteplici spettacoli, istallazioni, percorsi figurativi, allestimenti teatrali e di piazza. I temi che predilige sono interni al corpo simbolico dell’anno solare, agli elementi della natura e al ciclo delle stagioni. Dal 2001 collabora con la compagnia Pantakin nell’ambito di “Arcipelago circo teatro”, progetto di sperimentazione legato alle arti performative e al Nuovo Circo, con cui ha messo in scena come regista: Ombra di luna (2001), Labirintomare (2002), Creature (2004), opere tra circo e teatro. Ha inoltre collaborato con il Teatro Stabile di Torino, Accademia Perduta e Assemblea Teatro e ha allestito numerose mostre sia in Italia che all’estero.

“Figliolini è uno studio sulla famiglia, sui rapporti che questa inscena, le storture, le piccole follie quotidiane. Ci interessa la 'famiglia' come universo ripiegato in se stesso, che sostiene e definisce le proprie idolatrie, le proprie regole interne, il proprio supremo senso. Luce e abisso. Anche noi, come Tolstoj, crediamo che le famiglie felici si assomiglino tutte, mentre quelle infelici siano infelici ciascuna a modo proprio.” (Eva Raguzzoni)

Eva Raguzzoni, dopo studi di danza classica con Renè Lejeune, ha studiato danza contemporanea in Italia, Germania e Francia con diversi registi e coreografi, tra cui, Ornella D’Agostino, Kyomi Ichida, Larrio Ekson, Carolyn Carlson e Sasha Waltz. Dal 2001 fa parte del Crc, Centro per la Ricerca Coreografica di Bologna. Ha danzato per Teri Weikel, Daniela Boensch, Julie Anne Stanzak, Cristina Luschi, Enrique Vargas e collaborato a numerosi eventi performativi con musicisti. Per il progetto in concorso al GD’A 2008 si è avvalsa di danzatori non professionisti, di età compresa fra i diciotto e i quarantanove anni.

“Il lungo e polimorfo progetto X(ics)racconti crudeli della giovinezza s’inscrive nel percorso inaugurato dal lavoro su Pasolini nel 2003, nelle periferie italiane e nordafricane: tornare a indagare quegli ambienti trasformati e vandalizzati dal consumo, incontrare e coinvolgere i giovani che li abitano, muovendoci ancora una volta secondo la natura nomade e instabile del nostro fare artistico, è l’anima di questa nuova avventura teatrale, che ci coinvolgerà per tre anni e da cui scaturiranno quattro spettacoli, un film e svariati piccoli eventi installativo-performativi. Con i due primi movimenti (X.01 e X.02) ci siamo spostati accumulando immagini e sonorità dai centri commerciali e dalle colonie abbandonate della bassa Romagna, alle piste di skate delle banlieues francesi, per giungere, nel giugno 2008, agli spopolati quartieri della ex-Ddr, nell’ambito del prestigioso Festival Theater der Welt in Halle. Continui spostamenti e nuovi incontri, molti dei quali improvvisi e casuali, contrassegnano questa ricerca quasi documentaria fra i luoghi dello spaesamento giovanile, che comincia ora a esigere pause e momenti di riflessione. La necessità di un punto di sosta, di un luogo in cui ‘dimorare’ lontano dal frastuono delle strade secondarie, per avviarci ai due momenti conclusivi di X(ics), ci ha sospinto nuovamente verso il luogo in cui abbiamo tenuto tanti workshop determinanti per i nostri trascorsi processi creativi.
Il Teatro Dimora nel 2008-’09 sarà per Motus una sorta di nuova casa-madre, in cui riposare, conversare, riflettere, provare, sperimentare e soprattutto incontrare. Di riflesso ai coinvolgimenti casuali avvenuti ‘per strada’ nella prima fase del progetto (2007-’08), a Mondaino ambienteremo quelli ricercati, quelli inseguiti, con scrittori, giovani drammaturghi e naturalmente nuovi interpreti.
La prima 'Dimora' si terrà nel maggio 2008, proprio in preparazione al Theater der Welt Festival, per porre a confronto il nostro giovane gruppo d’attori con interpreti e musicisti tedeschi incontrati ad aprile ad Halle, dove presenteremo video delle edizioni precedenti di X(ics) e faremo vari sopralluoghi nella straordinaria shrinking city.
Nell’autunno 2008 avrà inizio un’ulteriore fase di lavoro, ovvero la preparazione di un film che ha per soggetto la storia di un gruppo di ragazzi che tentano di costruire uno spettacolo, mettendo in scena il testo di un giovane drammaturgo. Le prove dello spettacolo (con titolo da definire), che verrà realmente allestito e presentato nel maggio 2009, saranno così parte del set per la preparazione del film.
Le successive 'Dimore' a Mondaino saranno dedicate a ricognizioni e incontri per individuare lo scrittore del testo, alla preparazione dello storyboard, nonché alle prove per lo spettacolo, molte delle quali verranno ‘aperte’ a tutti coloro che vorranno seguire questo anomalo percorso creativo che si concluderà con un film, di produzione italo-tedesca, nell’autunno 2009.
L’articolazione di questo nuovo progetto è talmente complicata che pare aggrovigliarsi su se stessa, un buon metodo per ‘monitorarla’ è proprio affacciarsi alle finestre dell’Arboreto, anche virtualmente, nel sito, in cui sarà possibile trovare aggiornate cronache delle Dimore Motus.” (Motus)

Motus nasce a Rimini nel 1991, fondato da Enrico Casagrande e Daniela Nicolò. Strutturato come nucleo di lavoro aperto alle più diversificate collaborazioni artistiche, in un’ottica di totale mescolanza fra le forme espressive, ha prodotto numerosi e acclamati spettacoli teatrali ed eventi/accadimenti specificamente concepiti per spazi anomali. Fra i progetti più importanti, “Room”, progetto di cinema e teatro da cui sono nati Vacancy Room (2001), Twin Rooms (2002) e Splendid’s (2002) a partire dal quale è stato realizzato nel 2004 anche l’omonimo film. Nel 2003 il lavoro di Motus coincide con il viaggio fra le immagini e le parole di Pier Paolo Pasolini e con l’allestimento dello spettacolo Come un cane senza padrone, ispirato a Petrolio; nel 2004 viene messo in scena L’Ospite, tratto da Teorema. Dal 2005 la compagnia sviluppa un percorso attorno all’opera di Rainer Werner Fassbinder da cui nascono: Pre-paradise sorry now (Piccoli episodi di fascismo quotidiano) (2005) e Rumore rosa (2006). Numerosi i premi e i riconoscimenti fra cui tre Premi speciali Ubu (1999, 2000, 2002) e di recente il Sigismondo d’oro 2007, assegnato dal Comune di Rimini “per avere costruito, partendo dalla matrice culturale della città e con un lungo lavoro, un gruppo significativo nel panorama del teatro contemporaneo. (...) Per la singolarità dei linguaggi con i quali i Motus affermano una propria poetica a livello internazionale.”

“Il nuovo lavoro, che debutterà a Santarcangelo International Festival of the Arts 2008, ha come punto di partenza un ulteriore ripensamento della presenza in scena del corpo umano, elemento primo all’interno della pratica performativa. Negare la presenza del corpo per costruire un sistema di segni che tuttavia riconduca inevitabilmente ancora ad esso. Una metamorfosi dei corpi in forme pure: quadrati colorati che – come singoli componenti di un gruppo – si muovano incessantemente su un sistema di linee parallele. Lavoriamo così con un ensemble di forme geometriche attraverso le quali studiare tutte le possibilità di relazione – gli affollamenti e le solitudini – che costituiscono l’alternanza ritmica di una creazione scenica. Come in un incantesimo, i corpi si sono trasformati in quadrati anonimi, ridotti alla sola presenza geometrica e al suono di matrice umana; imprigionati in un sistema astratto che conserva tuttavia la capacità di far emergere d’improvviso il proprio aspetto familiare.” (Pathosformel)

Pathosformel nasce a Venezia nel 2004 riunendo elementi provenienti da differenti discipline, nell’intenzione di ripensare le priorità all’interno dei fattori che compongono una partitura performativa. Lavoro sul corpo e immagini, soluzioni artigianali e tecnica, rapporto con lo spazio e con i materiali, non predominano l’uno sull’altro a priori, ma solo – di volta in volta – in virtù di una resa scenica: costruire e sciogliere la forma per ripercorrere ogni volta la nascita di un’immagine dal sapore ancora umano. Fra le produzioni: Che cosa sono le
nuvole per la rassegna Incanti di Torino e il Beckett & Puppet Festival di Gorizia,
La timidezza delle ossa, segnalato dalla giuria del Premio Scenario 2007 e
Volta, spettacolo che ha debuttato al festival Drodesera Centrale Fies 2007.

La compagnia Korekané continua la sua collaborazione con la danzatrice Elisabetta Gambi nell’intento di indagare la condizione umana ridotta alle sue manifestazioni essenziali non legate alla sopravvivenza; cosa resta dell’uomo che non ha più necessità primarie? Quali istinti lo muovono? Dalle suggestioni del regista Ingmar Bergman attraverso l’esistenzialismo di Sartre per approdare a questo “studio per un’anticamera”. L’esperimento è quello di collocare un determinato numero di persone (attori) in un luogo pre-definito (il palco) in cui la dimensione tempo sembra non esistere. Le azioni dei personaggi potrebbero essere determinanti per lasciare quell’anticamera, ma la mancanza di un qualsiasi punto fermo li avvolge di un senso di spaesamento in cui tutto è lecito. Questa totale libertà attua uno scambio continuo dei ruoli e atrofizza un possibile svolgimento dell’azione, rendendo gli eventi per contrasto rigidi e ripetitivi, svuotandoli ancora di più da un qualsiasi senso e producendo un drammatico e grottesco gioco, il cui unico scopo rimane quello di occupare un piccolo segmento di quel tempo immobile. Tutto ciò costituisce materia di uno spettacolo teatrale.

Korekané incontra Elisabetta Gambi durante un seminario della regista Emma Dante. Dal desiderio di creare insieme un percorso alla ricerca di un linguaggio comune, tra la danza e il teatro, il gesto e la parola, nasce lo spettacolo In quiete, realizzato al Teatro Dimora di Mondaino e finalista ai Festival “Loro del Reno” ai Teatri di Vita di Bologna, al festival “Le voci dell’anima” al Teatro degli Atti di Rimini e tra i vincitori del Festival “Nuove Espressioni Teatrali” di Casalmaggiore (CR). Studio per un’anticamera è il secondo progetto che Korekané realizza assiema ad Elisabetta Gambi.